Enchanting Images
an Essay by Heidi Korf
graphic sorceress, spins tales of another world. Impossible to turn one‘s eyes away; after a first dreamy gaze, the viewer sinks at once into a sort of trance.
Summer 2014. The four of us are standing in the hall of an old East Ber- lin factory, recently transformed into Stefanie‘s new studio. Art is every-
where, a universe of color and light. Is this visual magnetism or pure magic right from the start? Much remains in boxes after a move not yet very far in the past. But even through cardboard and paper, the photos release a surreal luminosity; their gaze is gripping, ardently compelling.
Just as long ago at Christmas, that timeless time between the years,
I suddenly remember. Sitting together as a family, we watched in fascina-
tion as slides flashed upon a screen in bright-colored succession, and
my own image appeared again and again. The slide projector, humming loudly and turning the framed bits of film into light, was cherished by Ger-
man families ever since the Sixties as a magic lantern casting its spell right in their own homes.
In Stefanie‘s art, in the here and now, light emanates out of itself. Her pictures, mechanical contrivance and magical contents in one, dissolve all borders. Whoever grants his assent is grasped and absorbed into their world. The pictures tell tales. Of mad fairies and melancholic princesses. Of self-sufficient souls with their heads in the clouds. Of wigged women, loud and garish, frighteningly alone in their flashy trappings. And indeed, there is scarcely a single man here. But shouldn‘t the young woman with the orange artificial hairdo interlaced with white flowers allow her heart to open and, first of all, set free her canary? It it possible to love a creature in a cage?
bilities, wafted through a world of wonders, yearning only to dance through an open door into endless expanse. A visual release from every burden, a reward for laborious searching … the gate to paradise along the path of photography ... so that one staggers … with no firm footing … but filled with joy ... nothing other than hovering, gliding, even sliding. This is a trip.
Stefanie‘s stories are drawn from depths that are difficult to name. My mind turns to C.G. Jung‘s concept of the collective unconscious, to the realm of fairy tales, myths, archetypes. They embody us, cast a light upon us – but our meager mind will never be able to unravel their secrets en-
tirely, twist and turn as it may. We can only approach them with an open heart; it is best simply to let ourselves be touched, to be granted a vision.
The pictures shoot forth from a comparable profundity and emerge imme- diately into the light. Hence they seem so supernatural, so disembodied – in spite of everything that is so palpably sexy about them. Every individual image arises from the story, is a narrative snapshot. Stefanie‘s art is as dense as dreams. It is painted upon a transparent background. And night-
mares as well as grotesqueness are included in this bright sort of dream. Because for Stefanie, it is not a long way from the deepest depths to the highest heights. She has blended the ethereal and infernal, heaven and hell into one. Where is the center, the fixed core of the earth? Only she knows. I would say she herself is that point of rotation; she stirs a large cauldron and sends her viewers aloft. There they dance amid the clouds, move among a succession of mirages.
Stefanie‘s art annuls everything. She causes it to fall into the light and implode. Her pictures are aware of their own ambivalence. With a shrug of the shoulders, they negate all consistency. Their beauty arises out of nothingness. Stefanie inscribes her questions upon the void and pushes it on past itself. She summons forth from the camera a world that is as riveting as the ancient tales told to rapturous children.
(Translated by Georges Frederick Takis)
Magische Bilder
ein Essay von Heidi Korf
Es sind magische Bilder. Hoch in der Luft schweben sie überm Eingang des Ateliers und strahlen von dort herunter. Stefanie Schneider, Zauberin der Kamera, erzählt eine andere Welt. Unmöglich, den Blick abzuwen- den, übers erste träumerische Hinsehen gleitet man direkt in eine Art von Trance.
Sommer 2013. Zu viert stehen wir in der Halle einer alten Ostberliner Fa-
brik, seit Kurzem Stefanies neues Atelier. Die Kunst ist allgegenwärtig, ein Universum aus Farbe und Licht. Ist das visueller Magnetismus oder gleich reine Magie? Durch den noch nicht lang zurückliegenden Umzug ist manches noch in Kartons. Aber selbst durch die Pappen und Papiere schicken die Fotos ihr surreales Leuchten, sie schauen einem zu, sie sehen einen an. Hautnah sind sie oder schon unter der Hautgrenze, und man spürt es mehr, als dass man es zu denken vermag: Es geht einen etwas an.
Wie früher in den Weihnachtstagen, der zeitlosen Zeit zwischen den Jahr-
en, erinnere ich mich unvermittelt. Da saß man als Familie zusammen und schaute wie gebannt auf eine Leinwand mit wechselnden bunten Dias, und immer wieder stand das eigene Konterfei groß im Raum. Merk-
würdige Erinnerung, sie passt doch nicht hierher. Ist dieses hier nicht das Gegenteil?
Ich fange vorne an. Stefanie Schneider und ich kennen uns, seit wir zehn oder elf sind, also an die dreieinhalb Jahrzehnte. Damals waren wir beide frisch aufs Gymnasium in Cuxhaven gekommen.
Cuxhaven ist eine Kleinstadt an der Elbmündung, direkt an der Nordsee. In unserer Kindheit und Jugend durchzog bei Ostwind ein kräftiger Fisch-
geruch die Straßen, er wehte gründlich in jeden Winkel hinein, ein Zei-
chen dafür, dass die fischverarbeitende Industrie damals noch in voller Blüte stand. Mit einer Ecke und zwei Kanten ragt die Stadt ins Wasser, zum Landesinneren hin geht sie über in Wiesen, Weiden und Ackerland. Kindern bietet das viel Auslauf in die Natur, ja, sogar noch ein bisschen Abenteuer und einen Hauch von Wildnis.
Menschen, Dinge und Ereignisse kannten in diesem Lebensgefüge, ty- pisch für die Kleinstadt, noch einen sicher definierten Platz. Der heimi- sche Dia-Projektor produzierte zur Weihnachtszeit stehende Bilder in Serie, zehn bis fünfzehn Sekunden blieb jedes im Raum. Die summende Maschine, die die Rahmenbildchen in Licht verwandelte, galt der deut-
schen Familie seit den Sechzigern als heimische Laterna Magica. Es ging beim Anschauen nicht vordergründig um Ästhetik, nein, dies war ein Fest der Familie, und die vergewisserte sich ihrer selbst. Sie war der eigent-
liche Projektor, aus ihr floss durchs Dunkel einer unwägbarer werdenden Welt in jedes Mitglied helles Licht.
In Stefanies Welt, hier im Atelier, regieren andere ... Göttinnen oder Gra-
zien, gleichviel, sie gehören ins Reich des Flüssigen, der offenen Fiktion. Ein Berliner Spätsommertag geht zu Ende. Die Grazien-Göttinnen schlei-
chen umher zwischen offenen Farben und schlafenden Bildern … etwas vom Tag ist, so spüren sie, noch gar nicht eingelöst ... vier Menschen, ihre Erinnerungen und die Kunst … Sie nehmen Platz in den Ecken und schauen zu.
Rundherum ist Nordamerika, vor allem die Weite, der Raum: der Himmel über der Landschaft. Die Berge bleiben im Hintergrund, sie werden nie erreicht. Die Landschaft: ausgebreitet, ins Unabsehbare gedehnt. Himmel über den Straßen, Himmel zwischen Häusern und Autos. Unglaublicher Himmel. Und immer wieder Palmen. Nächtliches Schillern einer Tank-
stelleansicht. Und Himmel, Himmel, immer wieder Himmel.
Hier fließt das Licht aus sich selbst. Die Bilder sind Laterna und Inhalt in einem, sie verwischen alle Grenzen. Lässt man sich darauf ein, dann zie- hen sie und saugen einen ein, und gleich hat man schon aufgehört zu denken. Es ist wie mit der schönen Geliebten: Nackt steht sie da, in den Türrahmen gelehnt, lange schon hat sie gewartet. Sie lächelt wie die Sphinx.
Die Bilder erzählen Geschichten. Von verrückten Feen und traurigen Prinzessinnen. Von Traumtänzerinnen, die sich selbst genügen. Von Perükkenladies, laut und grell, sie stehen neben sich, in ihren schrillen Hüllen wirken sie erschreckend einsam. Und stimmt, es gibt hier kaum einen Mann. Muss aber nicht die junge Frau mit der orangenen Kunstfri-
sur und weißen Blume im Haar sich eh ein Herz fassen und erst einmal ihren Ka- narienvogel befreien? Kann man nämlich einen lieben, der im Käfig lebt
Ich erinnere mich an Steffi als Kind. Sie war sportlich und wild, mit kur- zen, blonden Haaren und tobte mit den Jungs. Natürlich prügelte sie sich auch. Das erste greifbare Bild: Wir haben Pause, ich komme im großen Pulk die Treppe herunter und sehe sie unten am Treppenabsatz stehen, gespannt, in Habacht-Stellung. Sie guckt wie eine äußerst wache Wild-
katze in unsere kleine Welt. Ich war das ganze Gegenteil: schüchtern, wenig wehrhaft, brav. Ich tanzte im Ballett und trug geflochtene Zöpfe.
Einen Teil des Jahres lebt Stefanie in Kalifornien. Ihre Aufnahmen macht sie dort. Und ja, man spürt es, man ist ganz sicher im Land des Mögli-
chen und schwebt durch eine Märchenwelt. Und will nichts, als durch die aufgestoßene Tür in die Unendlichkeit zu tanzen. Es ist die visuelle Erlö-
sung von jeder Schwere, Belohnung für mühseliges Suchen … der Zu-
gang zum Paradies auf dem Wege der Fotografie … so dass man taumelt … haltlos … glücklich doch wohl … und nie anders als schwebend oder gleitend, gar rutschend. Das hier ist ein Trip. Nur ist es wirklich das Para-
dies? Es fehlt irgendwie der Boden … ah ja, es schwindelt einen gerade-
zu. Man ist im Rausch, lang schon nicht mehr bloßer Betrachter. Dem Auge kein Halt. Ja, ist es nun wirklich das Glück oder sein trügerisches Abbild?
Jahre nach unsrem Debüt fanden Steffi und ich uns schließlich in der Oberstufe im selben Deutschkurs wieder. Später erzählt sie, es sei der erste Kurs gewesen, der ihr wirklich Spaß gemacht habe. Trotzdem ver-
passte sie manchmal eine der Stunden. Sie hatte sie gar nicht schwän-
zen wollen, es war ihr einfach die Zeit durch die Finger gelaufen. Ich
war weiterhin eine fleißgetriebene Pflichterfüllerin, nie wäre mir sowas passiert. Inzwischen war aber auch in mir kritischer Verstand erwacht. Und eine echte Passion für Literatur. Von Steffi wusste ich immer noch nicht viel. Sie war so anders und mir daher einfach fremd.
Das Fremde zwischen uns war für mich wie eine Kluft. Ich spürte aber ihren starken Hang zum Träumen, etwas, das ich gut von mir selber kannte. Und ihre Eigenwilligkeit. Oft war sie innerlich in einem Anders-
land. In unserem Schulmilieu - für Träumer hatte es keinen Platz, ver-
lachte sie sogar - erschuf sie sich schon damals ihre eigene Welt. Und darin eine große, uns anderen wohl unbekannte Freiheit. Von dort aus konnte sie harte Positionen vertreten und, wenn sie wollte, dem Rest vollständig trotzen. Sie schwamm dann einfach quer zum Strom. Ach ja: Steffi fotografierte, das wussten wir alle, es war schon damals ihre ganze Leidenschaft.
Stefanies Geschichten kommen aus einer Tiefe, die es schwer fällt zu benennen. Unwillkürlich muss ich an C.G. Jungs Begriff des kollektiven Unbewussten denken, an Märchen, Mythen, Archetypen. Die verkörpern uns, leuchten uns aus – unser armer Verstand wird sie aber nie ganz ent-
knoten, so sehr er sich auch windet und bemüht. Wir können uns ihnen nur fühlend nähern, am besten, wir lassen sie uns einfach ergreifen und gewähren. Die Bilder hier schießen aus einer vergleichbaren Tiefe empor und fahren direkt ins Licht. Dadurch wirken sie so überirdisch, so ent-
körperlicht - bei allem, was an ihnen greifbar sexy ist. Jedes Einzelbild entspringt dem Erzählen, es ist narrative Momentaufnahme. Wie Träu-
me verdichtet ist Stefanies Kunst. Sie ist dabei auf transparenten Grund gemalt. Und Albtraum sowie Groteske sind in dieser lichten Traumart in-
begriffen. Denn von ganz unten nach ganz oben ist für Stefanie der Weg nicht weit. Sphärisches und Unterwelt, Himmel und Hölle hat sie in eins geschmolzen. Wo ist die Mitte, der feste Halt der Erde? Das weiß nur sie. Ich würde sagen: Sie ist es selbst, sie rührt im großen Zauberkessel und schickt ihre Betrachter fliegen. Im Wolkentanz durch wechselnde Fata Morganen.
Denn Stefanies Kunst hebt alles auf. Sie lässt es ins Licht fallen und im- plodieren. Ihre Bilder wissen um die eigene Ambivalenz. Schulterzuk-
kend negiert sie jede Konsistenz. Wenn es denn überhaupt Grenzen gibt und Unterschiede, dann sind sie nur semantischer Natur. Gleißende Lee-
re ist über alles ausgegossen, fast wie echte Flüssigkeit. Die verdünnt die Inhalte, ätzt Lücken in Logik und Sinn. Und erschafft damit neuen. Denn ihre Schönheit entsteht aus dem Nichts. Sie verklärt es sogar. Stefanie schreibt ihm dabei ihre Fragen ein und treibt es über sich selbst hinaus.
In ihren Fotos lebt sie die Macht der Künstlerin, die alle Fragen stellen darf und zur Antwort nicht verpflichtet ist. Sie ist völlig frei und nutzt die Schönheit ihrer Technik für jeden inhaltlichen Zweck. Mit ihrem Material, den alten Polaroids, hat sie sich den Zufall zum Freund gemacht, denn ihre Filme haben schon von sich aus Macken. Da bleibt kein Platz für Neurosen oder das Zwangskorsett des Rationalen. Und Selbstzensur oder Bildungsbürgerattitüden wie ich als höhere Tochter hat Steffi eh
nie gekannt. Ihre Verspieltheit war und ist unverstellt und durchaus brutal. Zusammen mit ihrer tiefen Wärme entsteht, was ich „positive Gewalt“ nennen möchte. Sie hat das wohl glücklich aus der Kindheit herüber-
retten können. Und ist damit in einer Weise sie selbst geblieben, um die sie heute sicher nicht nur ich beneide.
Ja, aber wo wohnt denn nun ihre Kunst, letztendlich: in Atlantis oder im Land der still-süßen Apokalypse?
Sagenhaften Bilder. So schön sind sie, so unheimlich. Man sehnt sich so, es verlangt einen nach ihren ewig unklaren Versprechen.
Stefanie ist einen weiten Weg gegangen im Namen ihrer endlos traurigen Schönheit oder traumhaft schönen Endlosigkeit. Aus der kleinen nord-
deutschen Provinzstadt, im Denken eng und im Winter quälend dunkel, in die amerikanische Weite und das kalifornische Licht.
Vielleicht bleibt unser kleines Cuxhaven in deinem Amerika ein merkwürdiges und für die meisten unsichtbares Negativ. In deiner gottverlorenen Foto-Welt, die süchtig macht wie alte Kindermärchen.
xxx
Des Images Magique
un essai de Heidi Korf
Des images magiques. Planant dans l’espace au-dessus de l’entrée de l’atelier, elles irradient jusqu’en bas. Les photos de Stefanie Schneider, une magicienne de l’appareil-photo, racontent un autre monde. Impossible de les quitter des yeux. Après un premier regard rêveur, on glisse dans une sorte de transe.
Été 2013. Nous nous retrouvons à quatr dans un grand atelier d’une an- cienne usine de Berlin-Est. L’art est omniprésent, un univers de couleurs et de lumière. Est-ce un phénomène magnétique qui attire le regard ou bien de la magie pure ? Toutes les photos ne sont pas encore déballées après le récent déménagement, mais leur lumière surréelle se dégage des cartons, elles vous font face et vous vous sentez prisonnier.
Cela me rappelle soudain les jours d’autrefoi après Noël, le temps qui s’arrêtait entre l’année finissante et l’année à venir. Toute la famille se rassemblait fascinée devant un écran où des diapositives colorées se succédaient. On contemplait son portrait qui revenait régulièrement. Le projecteur bourdonnait en transformant en lumière les petites images encadrées. C’était la lanterne magique du foyer des familles allemandes depuis les années soixante. La lumière jaillit d’elle-même dans les images de Stefanie. Elles sont à la fois la lanterne magique et l’image. Elles effacent toutes les frontières. Si on se laisse prendre, elles vous aspirent en elles.
Les images racontent des histoires. Des histoires de fées insensées et de princesses tristes. Des histoires de femmes qui vivent leurs rêves. Des ladies à perruque, sûres d’elles et tapageuses, dépersonnalisées, qui dans leurs fringues excentriques, donnent l’image d’une solitude effrayante. Il est vrai qu’on y voit très peu d’hommes. Et cette jeune femme à la coiffure orange, une fleur blanche dans les cheveux, ne devrait-elle pas franchir le pas et libérer son canari. Comment peut-on aimer quelqu’un et le laisser vivre dans une cage ?
Stefanie vit en Californie une partie de l’année. C’est là qu’elle prend ses clichés. Oui, on voit bien qu’on est dans le pays de tous les possibles. On plane au pays des contes de fées. On a envie de passer la porte pour danser dans les espaces infinis. C’est la libération visuelle de toute pesanteur, la récompense d’une recherche accablante … l’accès au paradis par le médium de la photographie … à tel point qu’on en chavire … perdant tout appui … heureux malgré tout … et toujours planant, glissant ou même dérapant. Ceci est tout un trip.
Les histoires de Stefanie proviennent d’une profondeur difficile à décrire. Involontairement, il me vient à l’esprit l’inconscient collectif cher à C. G. Jung, les contes de fées, les mythes et les archétypes auxquels nous nous identifions et qui nous mettent en lumière, mais que notre pauvre raison n’arrivera jamais à décrypter malgré tous nos efforts. Seules nos émotions peuvent y arriver. Il suffit de se laisser aller. Ces images jaill-issent d’une profondeur semblable pour s’élancer vers la lumière. C’est ce qui les rend tellement surnaturelles, tellement désincarnées en dépit de leur érotisme tangible. Chaque cliché sort d’une histoire, il est un instantané narratif. L’art de Stefanie Schneider, c’est comme des rêves densifiés, bien qu’il soit peint sur fond transparent. Le cauchemar et le grotesque font aussi partie de ce monde de rêve lumineux. Car pour Stefanie Schneider, de tout en bas à tout en haut, il n’y a qu’un pas. Les sphères célestes et le monde souterrain, le ciel et l’enfer, elle amalgame le tout. Où se trouve le milieu, la terre ferme ? Elle seule le sait. Je dirais même que c’est elle qui touille le grand « chaudron magique » et qui fait planer ses spectateurs. Elle les fait danser comme des nuages au milieu des mirages qui passent.
L’art de Stefanie fait tout disparaître dans une implosion de lumière. Ses images témoignent de leur propre ambivalence. Elles nient toute cohérence. Leur beauté est issue du néant. C’est là qu’elle porte son question-nement et cela l’entraîne au-delà d’elle-même. Elle crée un monde qui éveille autant de nostalgie que celui des anciens contes de fées.
(Traduis par Lydia Beutin)
Interview
Dutch filmmaker Willem Baptist interviews Stefanie Schneider
When did you first decide to work with Polaroids? Why do Polaroids seem to be so well tuned to our (artistic) senses, perception and minds?
I started using expired Polaroid material in 1996.
Polaroid material has the most beautiful quality — the colors on one side but then the magic moment in witnessing the image to appear. Time stands still and the act of watching the image develop can be shared with the people around you. In the fast world of today, its nice to slow down for a moment. At the same time Polaroid slows time, it also captures a moment, which becomes the past so instantly that the decay of time is even more apparent — it gives the image a certain sentimentality. The Polaroid moment is one-of-a-kind original every time.
Why use a medium from the past?
For me, analog has always been there in the present. For the new generation analog is interesting because it's new to them. I understand, that people growing up in a digital age will wonder but it's theirs to recover if they want. When I first started working with Polaroid, it wasn't the past. it was a partially forgotten medium but it existed nevertheless. It is mine by choice.
There is no substitute for tangible beauty.
Is it imperfect?
The imperfect perfection in a wabi-sabi kind of way.
Wabi-sabi (侘寂) represents a comprehensive Japanese world view or aesthetic centered on the acceptance of transience and imperfection. The aesthetic is sometimes described as one of beauty that is "imperfect, impermanent, and incomplete".[1]
"If an object or expression can bring about, within us, a sense of serene melancholy and a spiritual longing, then that object could be said to be wabi-sabi."[2] "Wabi-sabi nurtures all that is authentic by acknowledging three simple realities: nothing lasts, nothing is finished, and nothing is perfect."[3]
Is it recognizable or even sometimes cliche?
Recognizable? Absolutely, even through the Impossible mist and the Instagram millions. There is surely something cliché about the way I'm showing the American Dream. I'm trying to live it myself, trying to find perfection in an imperfect world. Reaching out for the impossible. The dream is broken, the cliché tumbles. There are different ways to involve or choose an audience. You could make movies like Harmony Korine's "Gummo", a masterpiece in my view, which would estrange a large part of the movie watching audience. A certain film education is a prerequisite. You can also start with clichés, the audience then feels safe which lures them into the depth of your world without them even knowing it or understanding where exactly they are being led to. Appealing to emotions and the sub-conscious. Normal, Change, New Normal.
Are you guided by nostalgic thoughts?
I'm guided by my mind. My dreams and my love.
You continually revisit the landscape of the American West in your work. What draws you back to this scene?
Southern California represents a dream to me. The contrast of Northern Germany where I grew up, to the endless sunshine of Los Angeles was what first attracted me. The American West is my dream of choice. Wide, open spaces give perspective that articulate emotions and desires. Isolation feeds feelings of freedom or sometimes the pondering of your past. The high desert of 29 Palms has very clear and vivid light, which is vital. Expired Polaroid film produces 'imperfections' that I would argue mirrors the decline of the American dream. These so called imperfections illustrate the reality of that dream turning into a nightmare. The disintegration of Western society.
Can you share a bit about the shoot with us? Tell us about the feeling of that day, the mood, the weather, and so forth.
Shoots in general are exhausting and there's much preparation before the day. Costumes, models, transportation, accommodation and catering must all be pre thought, so there's pressure straight away. There's a short window when you're meeting with serendipity and that's the goal of being prepared. The results may look coincidental but there's a lot of planning beforehand. Every detail of the production and post production was done or personally supervised by myself.
Are there any special processes that you apply to the film to achieve its final quality?
Knowing Polaroid film intimately took years. You just have to know your medium and work within it's parameters. The rest is vision. I never manipulate the Polaroid but anticipate its response given it's use by date.
Are you playing with the temporality of the material and the value of the moment itself?
The value of the moment is paramount for it is that moment that you're trying to transmogrify.
All material is temporary, it's relative and time is forever.
Why do you position yourself in an ambiguous way as both artist and character in your work?
It's easier. Many stories are based on my life experience. Emotions of my own story-lines are easier to portray on my own.
Why does analog film feel more pure and intuitive?
It's tangible and bright and represents one single moment.
The digital moment may stay in the box (the hard drive / camera / computer etc.) forever, never to be touched, put into a photo album, sent in a letter or hung on a wall. Printing makes it an accomplishment.
The analog world is more selective, creating images of our collective memory.
Digital is less selective and doesn't give you the special moment. The worldwide clicking destroys the moment. The generation without memories due to information over-loads and hard drive failures. Photo albums are a thing of the past.
Why does this feel so?
That's how the human instinct works.
When I was a child, every picture taken was a special moment. Film as well as Super-8 material was an expensive treasure. My parent's memories were created by choosing certain moments in time. There was an effort behind the picture. The roll of film might wait months inside the camera before it's all used. From there, the film required developing which took more time and finally when the photos were picked up from the shop, the memories were visited again with the whole family. Who knew then how fleeting these times were. Shared memories as a ritual.
What is your philosophy behind the art of Polaroid pictures?
The 'obsolete' is anything but obsolete. Things are not always as they appear and there are hidden messages. Our memories and our dreams are under-valued. It is there that real learning and understanding begins. Open yourself to different perspectives.
What inspired you to style the film using stop motion cinematography?
My work has always resembled movie stills. I remember the first time I brought a small box of Polaroids and slid them onto Susanne Vielmetter's desk (my first art dealer). I rearranged them a bit. It was obvious. It became apparent that there was a story to tell. It started with the many "tableau vivants". The stories grew. It seemed incontrovertible to me that the emerging story was where I was destined to go. I've made four short films before my new feature film "The girl behind the White Picket Fence". This film is 60 minutes long with over 4000 Polaroid stills edited one after another. It's important to remember that our sub-conscious fills in the blanks, the parts missing from the story allowing a deeper and more personal experience for the viewer. That is, if you surrender yourself and trust me as the director to lead you somewhere you might not have been before.
Why do you think it is important for people to own art?
"We have art in order not to die of the truth." Nietzsche
1 Koren, Leonard (1994). Wabi-Sabi for Artists, Designers, Poets and Philosophers. Stone Bridge Press. ISBN 1-880656-12-4.
2 Juniper, Andrew (2003). Wabi Sabi: The Japanese Art of Impermanence. Tuttle Publishing. ISBN 0-8048-3482-2.
3 Powell, Richard R. (2004). Wabi Sabi Simple. Adams Media. ISBN 1-59337-178-0.